Par Antonio Catrileo

Lors de la première session de discussion communautaire consacrée aux présentations, il est apparu clairement que l’aspect transnational du rassemblement était le résultat de véritables relations construites sur l’affect entre les nombreux collaborateurs à travers le monde. La façon dont chacun s’est salué et a pris le temps de rattraper le temps perdu entre les présentations et les événements était un signe clair d’un ensemble de relations professionnelles durables fondées sur le respect et l’attention mutuelle – ce qui était approprié pour une communauté de créateurs travaillant avec un médium tel que le film analogique. Comme il s’agissait de la première rencontre en personne pour LIFT depuis la fermeture du COVID-19, un sentiment très fort s’est exprimé tout au long du LIFT Gathering : le besoin de connexion, le besoin de temps pour s’asseoir avec les autres et discuter des questions liées au film analogique.

Grâce au fil conducteur de la résilience, la communauté des cinéastes qui ont participé à ce rassemblement a insisté sur le fait que la réalisation de films analogiques est une pratique créative, politique, communautaire et même spirituelle. Le film devient quelque chose d’intimement lié à leur vie, et le caractère analogique de cette pratique spécifique exige une compréhension et une gestion différentes du temps. Le film exige un processus qui n’est ni immédiat ni fluide, une temporalité qui se heurte à la vitesse de l’obsolescence programmée dans les écologies médiatiques contemporaines ainsi qu’à la vitesse du changement technique qui déplace constamment les frontières de la culture visuelle contemporaine.

La première séance, animée par le Harkat Collective, Tsen-Chu Hsu, Luciana Decker Orozco, Miglė Križinauskaitė-Bernotienė, a montré clairement à quel point la communauté est interreliée dans le monde, et combien il existe une certaine relationalité dans les pratiques de cinéma analogique qui créent un sentiment d’appartenance dans la création; un sentiment de faire partie d’une communauté en raison de l’insistance de travailler avec un médium en voie de disparition. Ces relations contribuent à une écologie transnationale de la résilience technologique artistique ; les artistes insistent sur la production d’images par une utilisation contre intuitive du temps « productif » et par un engagement créatif avec l’obsolescence technique – comme la réutilisation et la réaffectation de vieux appareils photo, de films et de produits chimiques. Les intervenants du premier panel ont montré les nombreuses façons dont la pratique a survécu : en tant que laboratoires expérimentaux pédagogiques, dans le cadre de programmes de résidence, en lien avec d’autres disciplines artistiques, et tout cela en faisant référence aux différentes questions géopolitiques liées à l’accès, au financement et à la distribution que chacun des intervenants a rencontrées au cours de sa carrière.

Comme dans la séance d’ouverture, la séance de clôture (le panel sur l’écologie et le cinéma au Artscape Gibraltar Point) a présenté une variété de perspectives qui ont créé un espace fécond de discussion, de consentement et de dissension autour de l’idée et de l’utilisation d’« écologies » de manière concrète, environnementale et aussi métaphorique, pour parler du cinéma analogique comme système de perception, de connaissance et de travail. Alexandra Moralesová du Labodoble 1 animait cette séance et a été rejointe par Phil Hoffman, Franci Duran, Robert Schaller, Richard Tuohy, et Dianna Barrie en personne ainsi que par Georgy Bagdasarov et Kim Knowles en virtuel.

Même si, au début, la discussion était axée autour de l’aspect toxique du cinéma photochimique dans l’industrie du cinéma, par rapport aux environnements et aux communautés, la discussion s’est rapidement ouverte pour considérer d’autres aspects qui composent un environnement pour le cinéma en tant que pratique pour faire monde. Certaines des questions posées durant la conversation libre sont importantes et elles animent l’esprit contemporain du cinéma analogique. Il s’agit de questions sans réponse qui sont génératrices dans le sens où elles nous poussent à considérer notre position dans le monde en termes de conditions matérielles et d’historicité de nos corps et de nos territoires. Voici quelques-unes des questions que nous avons examinées :

Une véritable pratique écologique du cinéma est-elle possible ? Faut-il stocker et archiver les films ou les laisser regarder au risque de les voir se détériorer ? Peut-on penser à un autre modèle de pratique cinématographique en dehors du complexe industriel « Kodak » ? Sommes-nous vraiment dans une tendance esthétique post-Kodak ? Le cinéma peut-il exister sans la pellicule ? Avons-nous besoin de plus d’images, si le coût est un danger pour l’environnement ? Où vivent ces images ? Quel est le rituel ou l’espace social où vous regardez les images ? Si ce que vous faites détruit quelque chose, comment pouvons-nous honorer cette énergie ? Quelle est la relation entre les pratiques cinématographiques et le changement politique ? Si le film sert d’abord le cinéaste, quel est l’espace que nous réservons à la communauté et au consentement dans notre pratique ? N’avons-nous pas déjà suffisamment d’images et de films que nous pouvons réutiliser, au lieu de créer davantage de plastique ? Qu’en est-il des communautés qui, historiquement, n’ont pas eu accès au contrôle de leur propre représentation par le biais du cinéma ? Avons-nous besoin de nouvelles images dans ce cas ? Comment pouvons-nous nous engager de manière non extractive dans notre pratique cinématographique ? Comment pouvons-nous survivre dans cette écologie « mourante » du cinéma analogique ?

Bien que tout le monde n’ait pas été d’accord avec toutes les déclarations faites au cours de la discussion, je pense qu’il est pertinent de souligner certaines des questions qui ont suscité des conversations durables et qui ont eu un impact sur les participants. Ces déclarations et ces questions font également de la communauté LIFT un espace qui accueille la dissidence lorsqu’elle est exprimée de manière bienveillante et respectueuse. Plus encore, je pense que la discussion qui s’est tenue rend visible certains points de vue qui pourraient injecter de nouvelles énergies dans la communauté internationale de la réalisation de films analogiques. Il est important de réfléchir aux efforts et aux conversations des différents collectifs et communautés qui collaborent, et à la manière dont ils pourraient faire de la place aux nouvelles générations de cinéastes qui veulent encadrer des objets différents, qui veulent filmer avec une stratégie/méthodologie différente, qui veulent franchir d’autres frontières disciplinaires qui n’ont jamais été franchies auparavant. Soutenir ces efforts, même lorsqu’ils déstabilisent et secouent ce qui semble être le fondement de la communauté des cinéastes analogiques, garantira la survie de cette pratique.

1. Labodoble est un laboratoire cinématographique et une plateforme curatoriale basés à Prague (CZ) et dirigés par Alexandra Moralesová et Georgy Bagdasarov. Les artistes se concentrent principalement sur les processus cinématographiques expérimentaux photo-chimiques, mais s’intéressent à d’autres types de pratiques médiatiques qui problématisent et pointent du doigt leur appareil.