Por Antonio Catrileo

Durante a primeira sessão de discussão da comunidade dedicada às apresentações, ficou claro que o aspecto transnacional do encontro foi resultado de relacionamentos reais construídos com base no afeto entre os muitos colaboradores de todo o mundo. A maneira como todos se cumprimentavam e passavam o tempo conversando entre as apresentações e os eventos era um sinal claro de um conjunto duradouro de relacionamentos profissionais baseados no respeito e no cuidado mútuo, o que era apropriado para uma comunidade de criadores que trabalha com um meio como o filme analógico. Por ser o primeiro encontro presencial do LIFT, desde o(s) lockdown(s) da COVID-19, houve um sentimento intensificado que foi profundamente expresso durante todo o LIFT Gathering: a necessidade de conexão, a necessidade de tempo para sentarmos uns com os outros e discutirmos assuntos centrados no filme analógico.

Por meio do fio condutor da resiliência, a comunidade de cineastas que participou desse encontro insistiu na ideia de que a produção de filmes analógicos é uma prática criativa, política, comunitária e até mesmo espiritual. O filme se torna algo emaranhado em suas vidas, e o caráter analógico dessa prática específica exige uma compreensão e um gerenciamento diferentes do tempo. O filme exige um processo que não é imediato nem suave, exige uma temporalidade que se choca com a velocidade da obsolescência planejada nas ecologias midiáticas contemporâneas, bem como com a velocidade das mudanças técnicas que alteram constantemente os limites da cultura visual contemporânea.

A primeira sessão, liderada pelo Coletivo Harkat, Tsen-Chu Hsu, Luciana Decker Orozco, Miglė Križinauskaitė-Bernotienė, mostrou claramente como a comunidade está interconectada em todo o mundo e como há uma certa relação dentro das práticas de produção de filmes analógicos que cria um sentimento de pertencimento durante a produção; um sentimento de fazer parte de uma comunidade devido à insistência em trabalhar com uma “mídia em extinção”. Essas relações contribuem para uma ecologia transnacional de resiliência tecnológica artística; os artistas insistem em produzir imagens por meio de um uso contra intuitivo do tempo “produtivo” e do envolvimento criativo com a obsolescência técnica, como a reutilização e o reaproveitamento de câmeras, filmes e produtos químicos antigos. Os apresentadores do primeiro painel mostraram as várias maneiras pelas quais a prática sobreviveu: como laboratórios experimentais pedagógicos, como parte de programas de residência, em conexão com outras disciplinas performáticas, e tudo isso enquanto se referiam às diferentes questões geopolíticas relacionadas a acesso, financiamento e distribuição que cada um dos apresentadores vivenciou em sua carreira.

Assim como nas sessões de Discussão Comunitária de abertura, a sessão final, o Painel Ecologia e Cinema no Artscape Gibraltar Point, demonstrou uma variedade de perspectivas que criaram um espaço generativo para discussão, consentimento e dissidência em torno da ideia e do uso de “ecologias”, de uma forma ambiental concreta e também metafórica, para se referir ao campo do cinema analógico em termos de um sistema de percepção, conhecimento e trabalho. Alexandra Moralesová, do Labodoble(1), foi a responsável por essa sessão e contou com a participação de Phil Hoffman, Franci Duran, Robert Schaller, Richard Tuohy e Dianna Barrie pessoalmente, além de Georgy Bagdasarov e Kim Knowles virtualmente.

Embora a discussão tenha sido, a princípio, centrada no aspecto tóxico da produção de filmes fotoquímicos na indústria cinematográfica, em relação a ambientes e comunidades, a discussão rapidamente se abriu para considerar outros aspectos que compõem um ambiente para a produção de filmes como uma prática de criação de mundo. Algumas das perguntas feitas durante a conversa aberta são preocupações fundamentais que animam o espírito do estado contemporâneo do campo de filmes analógicos. Essas foram as perguntas sem respostas, que são geradoras no sentido de que nos levam a considerar nossa posição no mundo em termos de condições materiais e da historicidade de nossos corpos e territórios. Algumas das perguntas que consideramos foram:

É possível uma prática cinematográfica verdadeiramente ecológica? Devemos armazenar e arquivar os filmes ou deixá-los serem vistos, correndo o risco de deterioração? Podemos pensar em outro modelo de prática cinematográfica fora do complexo industrial “Kodak”? Estamos realmente em uma tendência estética pós-Kodak? O cinema pode existir sem o filme? Precisamos de mais imagens, se o custo for um risco ambiental? Onde essas imagens vivem? Qual é o ritual ou o espaço social em que você assiste às imagens? Se o que você faz destrói algo, como podemos honrar essa energia? Qual é a relação entre as práticas cinematográficas e a mudança política? Se o filme serve primeiro ao cineasta, qual é o espaço que mantemos para a comunidade e o consentimento em nossa prática? Já não temos imagens e filmes suficientes que podemos reutilizar, em vez de criar mais plástico? E quanto às comunidades que historicamente não tiveram acesso ao controle de sua própria representação por meio de filmes? Será que, nesse caso, precisamos de novas imagens? Como podemos nos envolver de forma não extrativista com nossa prática cinematográfica? Como podemos sobreviver dentro dessa ecologia “moribunda” da produção de filmes analógicos?

Embora nem todos parecessem concordar com todas as declarações compartilhadas durante a discussão, acredito que seja relevante destacar algumas das perguntas que criaram conversas duradouras e tiveram impacto sobre os participantes. Essas afirmações e perguntas também tornam a comunidade LIFT um espaço que acolhe a discordância quando ela é expressa de forma atenciosa e respeitosa. Além disso, acredito que a discussão realizada também torna visíveis alguns pontos de vista que poderiam injetar novas energias na comunidade internacional de produção de filmes analógicos. É importante pensar sobre os esforços e as conversas de diferentes coletivos e comunidades que estão colaborando e como isso poderia abrir espaço para novas gerações de cineastas que querem enquadrar objetos diferentes, querem filmar com uma estratégia/metodologia diferente, querem cruzar outras fronteiras disciplinares que não foram cruzadas antes. O apoio a esses esforços, mesmo quando eles perturbam e abalam o que parece ser fundamental na comunidade de cineastas analógicos, garantirá a sobrevivência da prática.

1. Labodoble é um laboratório cinematográfico dirigido por artistas e uma plataforma curatorial com sede em Praga (CZ) e dirigido por Alexandra Moralesová e Georgy Bagdasarov. Os artistas se concentram principalmente em processos de filmes experimentais fotoquímicos, mas estão interessados em outros tipos de práticas de mídia que problematizem e apontem para seus aparatos.